Il avait annoncé sa retraite cinématographique au sortir de Two Lovers de James Gray, jurant qu’il voulait désormais se consacrer à une carrière de rappeur. Evidemment, on l’avait à peine pris au sérieux : se retirer ainsi en pleine gloire à tout juste 34 ans, cela relevait du suicide artistique et professionnel pur et simple. Et l’on avait peut-être bien raison. Une rumeur vient effectivement d’émerger selon laquelle Joaquin Phoenix serait sur le point d’effectuer son retour sur les écrans dans le rôle… d’Edgar Allan Poe ! Pas pour les besoins d’une adaptation d’un des récits fantastiques du célèbre poète-romancier donc - ne s’appelle pas Roger Corman qui veut ! - mais pour ceux de la transposition de “The Beautiful Cigar Girl : Mary Rogers, Edgar Allan Poe and the Invention of Murder” de l’écrivain Daniel Stashower : ou comment Poe s’inspira d’un fait divers de son époque, le meurtre d’une jeune femme, pour en faire une enquête menée par son détective Auguste Dupin, “Le Mystère de Marie Roget“. L’information provient de Resul Pookutty, ingénieur du son oscarisé de Slumdog Millionaire, et qui a été parachuté sur le projet. Une source de première main, donc. Mais si jamais le bruit devait se révéler finalement n’être que du vent, on pourra toujours se consoler en pensant à la nouvelle relecture du “Corbeau“, logiquement en préparation, avec Jeremy Renner (vu dans le récent Démineurs) et menée par un James McTeigue (V pour Vendetta) qui, à cette occasion, prouvera s’il s’appelle Roger Corman ou non.

Depuis le temps que ses copains acteurs de la même génération s’y étaient mis - Robert Redford dès 1980 avec Des gens comme les autres, Paul Newman en 1968 avec Rachel, Rachel, ou Warren Beatty dix ans plus tard avec Le Ciel peut attendre - on se demandait ce que pouvait bien attendre Dustin Hoffman pour se décider à passer derrière la caméra. On ne se posera plus la question bien longtemps, puisque l’interprète du Lauréat et de Lenny va enfin, à 73 ans, sauter le pas ! Sur un scénario rédigé par Ronald Harwood (Le Pianiste, Le Scaphandre et le papillon) d’après sa propres pièce “Quartet” créée en 1999, Hoffman devrait diriger Albert Finney, Tom Courtenay et Maggie Smith dans une histoire de ténors retirés dans une maison de retraite pour anciens chanteurs lyriques, et qui décident de reprendre du service à l’occasion d’un concert en hommage à Verdi. La Britannique BBC Films a déjà donné son accord pour chapeauter la chose, et les négociations du futur primo-réalisateur avec la productrice Finola Dwyer - celle d’Une éducation - seraient pour le moins bien avancées. Il s’agira donc d’un production 100% anglaise, tournée logiquement chez nos voisins d’outre-Manche, et ce peut-être bien dès cette année 2010 (ou du moins quand D.H. pourra se dégager de ses nouvelles obligations dans “Luck“, série de Michael Mann au casting de laquelle il vient d’être tout récemment annoncé). On ne sait toujours pas en outre si la chose est destinée à être diffusée sur petit ou grand écran. Mais l’entreprise s’avère assez intrigante pour exciter notre plus haute curiosité. Tout de même, Dustin Hoffman…

Si l’on annonce que Ron Howard, via sa société Imagine Entertainment, va se lancer dans la production d’un biopic sur la personne de John Edgar Hoover, cela fait moyennement envie. Précisant que c’est le scénariste de Harvey Milk, Dustin Lance Black, qui va s’occuper du script, on se sent déjà plus en appétit. Et lorsqu’on apprend que c’est rien de moins que Clint Eastwood qui risque d’en assurer la réalisation, on piaffe définitivement d’impatience ! Actuellement en cours d’achèvement de son thriller surnaturel Hereafter, le réalisateur de Bird pourrait donc enchaîner sur l’évocation de la vie du fondateur du FBI, et de ses presque cinquante ans de carrière à la tête du fameux bureau d’investigation fédéral. Entre ses abus de pouvoirs, ses accointances avec ceux qu’il était censé combattre (la mafia), ses méthodes d’investigation peu orthodoxes et d’autres menues pratiques plus ou moins honnêtes, ce n’est pas la matière à un grand film sensationnaliste qui manque. Il faudra donc s’attendre à autre chose qu’un film à la gloire de la fameuse organisation telle que l’on en a régulièrement vu sortir depuis Les Hors-la-loi de William Keighley ou La Police fédérale enquête, avec un James Stewart en preux chevalier de l’agence. Et si son image a pu être quelque peu écornée par un Piège de cristal par exemple, cette fois il s’agira très certainement d’entacher définitivement la fameuse institution à travers son pilier. Comptons cependant sur la subtilité innée d’Eastwood, ainsi que sur sa fibre conservatrice, afin de ne pas avoir une œuvre trop à charge sur Hoover et sa clique. Et espérons qu’il signe la biographie définitive sur le bonhomme, moins oubliable que The Private Files of J. Edgar Hoover de Larry Cohen en 1977.

Si deux films sur Harvey Weinstein se retrouvent actuellement dans les starting-block, ce n’est peut-être pas le fruit du hasard. C’est parce que Barry Avrich, documentariste spécialisé dans les figures hollywoodiennes - on lui doit entre autres un fameux travail télévisé sur Lew Wasserman, nabab d’Hollywood - a annoncé son intention de prendre le cofondateur des mythique studios Miramax comme sujet de sa prochaine investigation, que le Weinstein en question a décidé de contre-attaquer en annonçant un projet similaire dirigé par… Quentin Tarantino ! Belle défense, qui verrait en outre le réalisateur de Reservoir Dogs s’essayer à un genre à l’opposé de son univers hyper-fictionnel. Mais pour le moment, la chose, il faut bien l’avouer, n’est encore qu’à l’état d’idée informellement discutée entre Harvey W. et Quentin T. L’autre entreprise, celle d’Avrich, semble en revanche plutôt bien partie. Dotée d’un titre - Unauthorized : the Harvey Weinstein project - qui justifie à lui seul le refus de Weinstein d’y participer et son attitude défensive, il ne s’agira pourtant pas d’une entreprise de démolissage, mais d’un portrait équilibré sur l’un des producteurs les plus puissants des années 1990, ainsi que l’a assuré son futur auteur. On devrait donc tout savoir sur le bonhomme sans jamais avoir osé le demander, depuis son emploi de promoteur de concerts jusqu’à la récente création de la Weinstein Company, en passant évidemment par l’aventure Miramax, entamée dès 1979 avec son frère Bob et qui connut la récente fin que l’on a ici même exposée (voir l’article Adieu Miramax). Et dont le poulain symbolique se nommait Tarantino.

A un âge - 66 ans - où il est de bon ton de prendre sa retraite ou, pour le moins, de mettre la pédale douce sur ses activités, Robert De Niro, lui, semble pris d’une nouvelle vigueur, allant jusqu’à donner le vertige au plus fringant des chroniqueurs ciné. Plus un jour ne semble s’écouler sans qu’un nouveau projet ne se rajoute dans l’agenda de l’interprète du Dernier Nabab et de Mission. Tout a commencé vers la fin janvier, tandis qu’on l’annonçait au casting du second film de Lee ‘Precious’ Daniels, Selma, dans le rôle du gouverneur George Wallace menant combat lors des années 1960 pour préserver la ségrégation raciale aux Etats-Unis. Dans la foulée étaient lancées des rumeurs quant à sa présence dans un Midnight Run 2, suite de la comédie policière de Martin Brest de 1988, et dans l’adaptation d’”Encore une nuit de merde dans cette ville pourrie”, les mémoires de l’écrivain Nick Flynn. Mi-février, c’est par la bouche de Martin Scorsese, au sortir de la présentation de son Shutter Island en avant-première au Festival de Berlin, que l’on apprenait sa possible futur réunion avec son ex-acteur fétiche (Raging Bull, La Valse des pantins, Les Affranchis…) pour les besoins d’un film de gangsters - “du point de vue de vieilles personnes qui regardent leur passé”. Puis, pas plus tard que la semaine dernière, c’est coup sur coup la confirmation d’une séquelle à Midnight Run, l’annonce du projet Dark Fields de Neil Burger - thriller se déroulant dans le monde de la finance - puis celui du retrait de De Niro de Selma (infirmé depuis). Et aujourd’hui, comme si cela ne suffisait pas, vient s’ajouter un biopic sur Vince Lombardi, mythique entraineur de football américain dans les années 1960, et à qui notre comédien ubiquiste devrait logiquement prêter ses traits. Avec tout ça, pas étonnant qu’il doive de temps à autre laisser sa place à la concurrence (voir l’article Un Pacino contre un De Niro). Son secret ? Il a tout récemment changé d’agence de management.

Warner Home Video se met à l’heure écologique, et, pour le faire savoir, inonde les bacs des vendeurs de galettes numériques d’une pluie de classiques (et de moins classiques), chacun repackagé en boitier “recyclé/recyclabe” utilisant une “encre 100 % végétale”. Voilà pour l’argument commercial, par ailleurs hautement honorable. Le cinéphile, plutôt rabelaisien dans l’âme, jugera que l’important, c’est l’ivresse du film. Et, entre les éternels Casablanca ou Ben-Hur déjà réédités il y a peu (voir l’article DVD : trois classiques au pied de la lettre), il saura aller vers l’essentiel et trouver son bonheur dans Les Cheyennes. Tourné en 1963 par un John Ford âgé de soixante-dix ans, ce western testamentaire est l’un des premiers à épouser le point de vue du peuple indien. Ceux-ci, sortant de leur réserve de l’Oklahoma où ils ont été cantonné, viennent réclamer leur droit de regagner leurs terres du Dakota, à quelques 2500 kilomètres d’ici. On le leur refuse. Ils le prennent. Commence alors une longue poursuite avec un Richard Widmark à leurs trousses, et qui s’achèvera près de deux heures trente plus tard dans un technicolor étirant ses tons flamboyants étirant ses tons flamboyants sur 70mm. Une grande et longue fresque humaniste, l’un des derniers souffles du western classique, à l’agonie depuis que des jeunes loups au talent acéré, nommés Sam Peckinpah ou Robert Aldrich, ont entamé leur curée (le coup de grâce sera donné la même année par Sergio Leone). Conscient de cette évolution des temps et des mœurs, Ford se fend d’une séquence centrale ayant peu à voir avec le reste, emprunt de ce nouveau cynisme à l’œuvre dans le genre, et dans laquelle James Stewart, en Wyatt Earp vieillissant, règle son compte à un opportun. Un passage qui devait faire office d’intermission, le réalisateur jugeant que cette récréation dans le récit valait bien un tour au toilettes ou une pause cigarette…

Les Cheyennes (1964) de John Ford, avec Richard Widmark, Carroll Baker, Karl Malden, James Stewart, Sal Mineo… Distribué par Warner Home Video - Sortie DVD le 10 mars 2010

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> Eastwood et Ford : Les réals et la vertu

Il y eut Robert De Niro pour le Raging Bull de Martin Scorsese. Sylvester Stallone pour les besoins du flic looser de Copland. Ou encore tout récemment Vincent Cassel afin d’incarner le rôle-titre de Mesrine. Et il y aura bientôt Benicio Del Toro dans un futur énième projet de Steven Soderbergh. Comme ses glorieux prédécesseurs, l’acteur de Traffic devrait se fendre d’un régime grossissant pour l’amour de l’art cinématographique. Mais à la différence des autres, il ne s’agira pas pour lui d’engraisser d’une petite vingtaine de kilos, mais de doubler carrément son propre poids ! Making Jack Falcone, qui figure sur l’agenda du réalisateur de Sexe, mensonges et vidéo depuis plus d’un an, et que celui-ci tournera quand il en aura le temps, évoquera en effet l’infiltration dans la mafia d’un agent du FBI (celui nommé dans le titre) particulièrement imposant, puisque pesant la bagatelle de 180 kilos. Adaptée d’une histoire vraie - celle du “fédéral” Joaquim Garcia - qui n’est pas sans faire penser à Donnie Brasco, l’entreprise devrait donc une fois de plus prouver l’élasticité du corps du Toro, découvert mince comme une allumette au détour d’un James Bond (Permis de tuer en 1989), et vu depuis gonflant ou se comprimant d’un Las Vegas Parano “gilliamesque” à un Che “sorderberghien”. On ne saurait cependant trop conseiller au comédien d’origine portoricaine d’attendre la mise en chantier effective de la chose avant d’enfiler le moindre sandwich au beurre de cacahuète, la tendance de Soderbergh étant d’annoncer des promesses filmiques qu’il ne peut ensuite que (très) difficilement tenir, faute de temps.

Son œuvre compte une soixantaine de films tournés sur près de quarante ans en Allemagne, en France et aux Etats Unis. Mais le nom de Robert Siodmak reste attaché à une poignée de classiques hollywoodiens qui en firent Le Maître du Film Noir.

L’adjectif hitchcockien est aujourd’hui employé à toutes les sauces. Il suffit qu’une scène effraye un tant soi peu ou qu’une intrigue soit rondement menée pour y voir planer l’influence du Maître du suspens. Peu de cinéphiles useraient de même du terme siodmakien pour désigner un climat sombre où déambulent les ombres furtives de vénéneuses femmes fatales et de leurs amants criminels. Et pourtant, l’univers de Robert Siodmak est connoté, immédiatement associé au Film Noir dont il fut l’un des maîtres incontestables grâce à quelques classiques qui établirent et dépassèrent les règles de ce genre sous influence européenne apparu à Hollywood dans les années 40.

Affublé d’un chapeau et d’une paire de lunettes dissimulant une blessure de jeunesse, Siodmak jouissait d’une réputation d’intellectuel jovial, de savoureux trublion. Mais celui qui fut l’ami de James Mason et Charles Laughton, cachait sous cette apparence enjouée une asociabilité maladive, une méfiance envers les institutions que trahit une œuvre désabusée et tortueuse débutée en Allemagne à la fin des années 20. Son premier film, le fameux Les Hommes, Le Dimanche écrit entre autres avec Billy Wilder, réussit grâce à un montage ingénieux d’images documentaires, à révéler sur un ton badin les contradictions de ses contemporains. Tumultes est un polar lugubre qui déjà peint les égarements d’un cœur tourmenté par une femme vénale, thème récurrent jusque dans sa période américaine où abondent les couples mal assortis, les mégères et les mantes religieuses.

Le Secret Brûlant d’après Stefan Sweig est interdit par Goebbels et il quitte l’Allemagne en 1933. Arrivé à Paris, il parle si mal français qu’il aimera par la suite dire qu’il ne comprendra son premier film hexagonal, Le sexe faible avec Pierre Brasseur, que cinq après l’avoir tourné ! Il est le seul cinéaste allemand à réussir sa carrière en France dans les années 30. Si on peut oublier Le Roi Des Champs Elysées avec Buster Keaton,  Mollenard avec Harry Baur est sacré meilleur film par le Front Populaire. Pièges possède déjà toutes les qualités de son œuvre américaine : récit inquiétant et insolite avec Maurice Chevalier et Eric von Stroheim sur un serial killer dont le procès avait défrayé la chronique en 1937. Avec une copie du film sous le bras, il fait la traversé de l’Atlantique à la veille de la déclaration de guerre.

Inconnu à Hollywood, il enchaine les produits alimentaires dont Son of Dracula, écrit par son frère Curt Siodmak qui est en train de se faire un nom comme romancier et scénariste de science-fiction. Joan Harrison, l’ancienne assistante d’Hitchcock, (qui avait, selon Siodmak, les plus belles jambes d’Hollywood) inaugure sa société de production avec Phantom Lady, un des tout premiers films noirs dont il transcende l’intrigue par son style à la fois réaliste et expressionniste qui fait immédiatement école.

Pour l’angoissant Deux Mains La Nuit, il fait des merveilles dans le genre du film de terreur gothique. Dans l’ambigu Double énigme, Olivia De Havilland interprète deux jumelles parfaitement identiques. Il précise son style austère, son ton emprunt de distanciation narquoise au service d’une intrigue où le bien et le mal portent le même visage. Ce maître de l’élégance est aussi un grand directeur d’acteurs, un fin sondeur des âmes tourmentées comme le prouvent Les Tueurs et Criss Cross (Pour Toi J’ai Tué) avec Burt Lancaster. Deux films qui feignent de se ressembler puisqu’ils content les tragiques destinées d’un triangle amoureux réuni autour d’une femme fatale. Narrés sous forme de flash back, ils sont pourtant forts différents: Les Tueurs, écrit par John Huston (qui ne fut pas crédité), semble abattu sous le poids de la fatalité. C’est l’une des œuvres étalons du film noir où chaque code semble appliqué avec une stylisation poussée à l’extrême. Ce film avec Ava Gardner s’ouvre sur une scène d’une tension insupportable, transposition parfaite de la nouvelle d’Hemingway dont il est tiré.  Criss Cross est une histoire d’amour fou, où les personnages sont aveuglés par leurs passions qui tournent à l’obsession jusqu’au final sublime et déchirant.

Son approche semi documentaire lui sied à merveille pour filmer la ville dans La Proie avec Victor Mature, une trépidante chasse au criminel menée par un policier tout aussi obsessionnel que sa proie. Le Suspect est un drame social où une fois encore les femmes exercent un pouvoir tyrannique sur les hommes. Chez lui, les criminels sont des victimes poussées à commettre l’inexorable. C’est ce qui explique le malaise qui persiste après leurs visions où, même si la morale est sauve, on reste à se demander si l’assassin n’est pas moins coupable que la société qui l’a engendré. Le Corsaire Rouge, délirant film de pirates où Lancaster, acrobate de formation, peut s’en donner à cœur joie dans des décors bariolés où se déchainent au XVIIIème siècle des tanks, un sous marin et une montgolfière.

A son retour en Europe, il signe un réquisitoire violent et réaliste contre le IIIème Reich, considéré comme le premier film allemand à refuser toute forme de déculpabilisation : Les SS Frappent La Nuit.. Il émigre finalement en Suisse. Pour palier à des crises d’angoisse terribles, il accepta n’importe quel projet pour ne pas rester inactif jusqu’à sa mort en 1973. Lors d’un détour aux USA à la fin des années 50, moins de dix ans après son départ, il s’était rendu compte que la  nouvelle génération ne savait plus qui il était, bien qu’elle connaissait ses chefs d’œuvre. S’il a réussi une œuvre déterminante, influente stylistiquement, cohérente dans les thèmes qu’il aborda avec franchise, toute une partie de sa filmographie reste méconnue et invisible. Des plaisirs troubles en perspective.

La 82^e cérémonie des Academy Awards aura vu le triomphe des Démineurs de Kathryn Bigelow, et la défaite (relative) d’Avatar de James Cameron. Et s’est achevée, pour la première fois de son histoire, sur le sacre d’une reine. Compte rendu.

Dire que la cuvée 2010 des Academy Awards était attendue avec une appréhension toute particulière relève du plus doux des euphémismes. Jugez plutôt : présence dans le palmarès du plus grand succès commercial de tous les temps (Avatar). Mise en balance dudit succès avec une œuvre à petit budget (Démineurs), les deux recevant du reste le même nombre de nominations : neuf. Le metteur en scène du premier (James Cameron) se trouvant être l’ex-compagnon de la réalisatrice du second (Kathryn Bigelow). Parmi les autres nominés, deux fauteurs de trouble capables chacun de faire pencher les comptes d’un côté ou de l’autre - le brillant et inattendu Precious de Lee Daniels, et In the Air de Jason Reitman, recevant l’un et l’autre six citations. Bref, ajoutez à cela un scandale qui vit l’un des très possibles récipiendaires de l’Oscar du meilleur film privé de cérémonie (voire l’article Un scandale mine les Oscars), ainsi qu’une présentation prometteuse par le couple Steve Martin-Alec Baldwin, et l’on comprend qu’il y avait autre chose à attendre qu’un millésime 2009 en demi-teinte, mollement conclu par le triomphe du Slumdog Millionaire de Danny Boyle.

Début des festivités. Après quelques récompenses de mise en bouche - qui ont quand même vu Christoph Waltz distingué pour son second rôle dans Inglourious Basterds, et Là-haut recevoir la statuette du meilleur film d’animation - le combat de David contre Goliath démarrait enfin. Et c’est le premier, soit l’outsider Démineurs, qui ouvrit le bal en recevant le prix du meilleur scénario. Quelques Oscars plus loin - dont deux pour Precious, celui de l’adaptation et celui de la meilleure actrice de support décerné à Mo’Nique - et Avatar égalisait dans la catégorie “direction artistique”. Puis, au fil de la cérémonie, chacun des deux adversaires se mit à piocher dans la hotte aux trophées, qui se servant pour les effets visuels ou la photographie (lui), qui pour le montage (elle), laissant tout de même au passage quelques jolies miettes aux autres.

Bridges évident, Bullock surprenante

L’une que l’on aura particulièrement savourée en même temps que l’intéressé, c’est celle qui aura été remise à Jeff Bridges pour son interprétation hautement remarquée d’un chanteur de country vieillissant dans Crazy Heart. A soixante ans, dont cinquante passés au service de la pellicule, celui qui fut acteur pour John Huston, Michael Cimino, Bob Rafelson, Robert Mulligan ou les frères Coen - excusez du peu ! - concrétise enfin sa cinquième nomination. George Clooney, Morgan Freeman, Colin Firth et Jeremy Renner auront donc certainement compris que cette année n’était pas la leur.

La catégorie concurrente, celle de la meilleure actrice, aura réservé une petite surprise en voyant Sandra Bullock couronnée. Oui, l’agent potache de Miss Détective, la partenaire du Demolition Man Sylvester Stallone ou l’héroïne de ces jeux vidéos à vous donner la migraine qu’étaient Speed et sa suite ! Même si la rumeur la donnait gagnante, renvoyant pour la quatorzième fois Meryl Streep chez elle les mains vides, on attendait tout de même de voir la comédienne de The Blind Side recevoir son prix, sachant qu’en outre elle avait reçu la veille le Razzie Award de la plus mauvaise performance annuelle pour un autre film (All about Steve). On a vu. Ne restait plus qu’à s’incliner.

Maintenant, demeurait le grand moment de la soirée, celui qui allait sacrer le roi Cameron ou la reine Bigelow. C’est cette dernière qui a donc raflé les deux prestigieuses statuettes de meilleure réalisatrice et de meilleur film (ce dernier avec l’ensemble de son équipe de production), devenant ainsi la première femme dans l’histoire des Awards à obtenir ces distinctions. Historique ? Il fallait au moins ça pour empêcher son ancien époux de priver la soirée d’une belle surprise en se faisant logiquement sacrer pour son succès “avataresque”. En outre, Monsieur avait déjà eu son moment de gloire académique il y a treize ans, en raflant onze palmes pour son fameux Titanic. Laisser madame profiter à son tour de cet ultime honneur relevait donc de la plus élémentaire des élégances.

LE PALMARES COMPLET

Meilleur film

Démineurs, de Kathryn Bigelow

Meilleur réalisateur

Kathryn Bigelow - Démineurs

Meilleur acteur

Jeff Bridges - Crazy Heart

Meilleure actrice

Sandra Bullock - The Blind Side

Meilleur acteur dans un second rôle

Christoph Waltz - Inglourious Basterds

Meilleure actrice dans un second rôle

Mo’Nique - Precious : based of the Novel ‘Push’ by Sapphire

Meilleur scénario original

Mark Boal - Démineurs

Meilleur scénario adapté

Geoffrey Fletcher - Precious : based of the Novel ‘Push’ by Sapphire

Meilleur montage

Bob Murawski & Chris Innis - Démineurs

Meilleure photographie

Mauro Fiore - Avatar

Meilleurs effets visuels

Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham & Andrew R. Jones - Avatar

Meilleur montage sonore

Paul N.J. Ottosson - Démineurs

Meilleur mixage sonore

Paul N.J. Ottosson & Ray Beckett - Démineurs

Meilleure direction artistique

Rick Carter & Robert Stromberg (direction artistique), Kim Sinclair (décors) - Avatar

Meilleurs costumes

Sandy Powell - Victoria : les jeunes années d’une reine

Meilleurs maquillages

Barney Burman, Mindy Hall & Joel Harlow - Star Trek

Meilleur film d’animation

Là-haut, de Pete Docter

Meilleure musique

Michael Giacchino - Là-haut

Meilleure chanson

Ryan Bingham & T Bone Burnett pour “The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)” - Crazy Heart

Meilleur film de langue étrangère

El Secreto de Sus Ojos, de Juan José Campanella (Argentine)

Meilleur documentaire (long)

The Cove

Meilleur documentaire (court)

Music by Prudence, de Roger Ross Williams et Elinor Burkett

Meilleure court métrage

The New Tenants, de Joachim Back & Tivi Magnusson

Meilleure court métrage d’animation

Logorama, de Nicolas Schmerkin

Si près de vingt ans auront été nécessaires à John Ford pour financer puis tourner L’Homme Tranquille, entre sa découverte du roman éponyme de Maurice Walsh en 1933 et la sortie de la chose en 1952, il en aura fallu à peu près la moitié pour que Roger Moore se décide à revenir sur le grand écran. Le lien entre les deux ? Connemara Days que l’ancien James Bond interprétera donc et produira également, et dont l’action se déroulera dans la région irlandaise du titre sur le tournage du film de Ford. “L’Homme tranquille est sans aucun doute le meilleur qu’il ait jamais réalisé. C’est en outre un de mes films préférés”, a déclaré l’acteur britannique âgé aujourd’hui de 82 ans. Certes. Encore fallait-il davantage que des goûts personnels pour motiver le montage d’un tel projet. La commémoration des imminentes soixante bougies du long métrage d’origine sert donc de premier prétexte pour cette nouvelle comédie romantique se déroulant dans ses coulisses. Il y en a un second : remettre un coup de projecteur sur une zone reculée et quelque peu coupée du monde, ainsi que les poings de John Wayne et la rousseur de Maureen O’Hara y avaient contribué. “L’implication de stars telles que Roger Moore et les autres risquent de faire de Connemara Days un bienfaisant stimulus économique pour la région”, a déclaré un porte-parole de Failte Ireland, organe touristique du pays gaélique. “Les autres” ? Stacy Keach dans le rôle du cinéaste borgne, Geraldine Chaplin et Aidan Quinn (Mission, Frankenstein). Kevin Connor, responsable de Sixième continent et autres Continent oublié estampillés seventies, et reconverti depuis belle lurette au service de la petite lucarne britannique, gravera leurs amourettes pour le compte de la société de production Causeway Pictures. Tournage prévu cette été.